El Greco ist einer jener wenigen alten Meister, die eine weit verbreitete Popularität genießen. Ähnlich wie Vermeer, Piero della Francesca und Botticelli wurde er im neunzehnten Jahrhundert von einer Gruppe begeisterter Sammler, Kritiker und Künstler aus der Vergessenheit gerettet und stieg zu einem der ausgewählten Mitglieder des modernen Pantheons großer Maler auf. Für Picasso, wie auch für so viele spätere Bewunderer, war El Greco sowohl der Inbegriff des Spaniers als auch ein Protomoderner – ein Maler des Geistes. Es war seine Fähigkeit, die „mystische innere Konstruktion“ des Lebens zu spüren, die El Greco von Franz Marc und den Mitgliedern des Blauen Reiters bewundern ließ: jemand, dessen Kunst eine Ablehnung der materialistischen Kultur des modernen Lebens darstellte.
Geboren auf Kreta, wurde Domenikos Theotokopoulos, wie El Greco mit bürgerlichem Namen hieß, zunächst als Ikonenmaler ausgebildet. Zwei gesicherte Beispiele dieser frühen Phase sind erhalten geblieben und erinnern uns an die neuplatonische, nicht-naturalistische Grundlage seiner Kunst, bevor er sich daran machte, sich in einen Schüler Tizians und einen eifrigen Studenten Tintorettos, Veroneses und Jacopo Bassanos zu verwandeln. Er zog 1567 nach Venedig, da Kreta zu dieser Zeit venezianisches Territorium war. Dort machte er sich daran, die Elemente der Renaissance-Malerei zu meistern, darunter die Perspektive, die figürliche Konstruktion und die Fähigkeit, aufwendige Erzählungen zu inszenieren. Zu seinen schönsten Werken aus dieser Periode gehört „Christus heilt den Blinden“. Später, in Spanien, verfasste El Greco Abhandlungen über die Malerei. Obwohl diese verloren sind, besitzen wir die Exemplare, die er von der architektonischen Abhandlung des antiken Schriftstellers Vitruvius und Vasaris „Viten“ besaß. Diese enthalten El Grecos Anmerkungen am Rande, was auf sein tiefes intellektuelles Interesse hinweist.
Stationen in Italien: Venedig und Rom
Von Venedig zog El Greco nach Rom, wo er von 1570 bis 1576 arbeitete. Er kam mit einem Empfehlungsschreiben des kroatischen Miniaturisten Giulio Clovio an, der ihm Quartier im Palast von Kardinal Alessandro Farnese verschaffte – vielleicht dem einflussreichsten und reichsten Mäzen in ganz Rom. Im Jahr 1572 trat er der Malerakademie bei und richtete sein Atelier ein, wobei er mindestens einen Assistenten beschäftigte, möglicherweise sogar zwei. Seine Absicht muss gewesen sein, eine römische Karriere zu verfolgen, aber nach sechs Jahren hatte er keinen einzigen Auftrag für ein Altarbild erhalten; sein Ruf basierte auf gelegentlichen Aufträgen für Porträts und kleinformatige Andachtsbilder. El Greco hatte unklugerweise Michelangelos Fähigkeiten als Maler kritisiert, eine Meinung, die wenig Vertrauen in seine eigenen Fähigkeiten schuf und ihn möglicherweise von der römischen Kunstszene isolierte (Michelangelo war zwar bereits 1564 gestorben, aber sein Prestige in Rom war ungebrochen).
Der Durchbruch in Spanien: Toledo als neue Heimat
Dies waren keine vielversprechenden Anfänge für seine Karriere in Spanien, wohin er 1576 übersiedelte. In Madrid scheiterte sein Versuch, königliche Gunst bei Philipp II. zu erlangen. Erst als er sich in Toledo niederließ, hatte El Greco den Erfolg, den ein Künstler seines Kalibers hätte erwarten können. In dieser alten Stadt, die El Greco in einer der berühmtesten Landschaften der westlichen Kunst – der „Ansicht von Toledo“ – verewigte, fand er einen sympathischen Kreis intellektueller Freunde und Mäzene und baute eine sehr profitable Karriere auf. Diego de Castilla, Dekan der Kathedrale von Toledo, beauftragte El Greco mit der Malerei von drei Altarbildern für die Kirche Santo Domingo el Antiguo in Toledo und war auch maßgeblich am Auftrag des „Espolio“ (Die Entkleidung Christi) für die Sakristei der Kathedrale beteiligt. Dies gehören zu El Grecos ehrgeizigsten Meisterwerken. In ihnen finden sich all die verschiedenen Stile wieder, mit denen er in Italien experimentiert hatte: der Naturalismus, der seine Porträts kennzeichnete; die malerische Technik, die er in Venedig gelernt hatte; die kühnen kompositorischen Ideen des späten Michelangelo; und eine Mannerismus-betonte Hyper-Eleganz und Verfeinerung. Ein Streit über den Preis, den El Greco für den Espolio verlangte, führte zu einem Rechtsstreit und hinterließ Spuren in der weiteren Karriere des Künstlers: Er erhielt nie wieder einen vergleichbaren Auftrag von den Kathedralbehörden; in Zukunft sollten seine Aufträge von Privatpersonen und Klöstern in der Stadt kommen.
Das Grab des Grafen Orgaz: Ein visionäres Meisterwerk
El Grecos berühmtestes Gemälde, „Das Grab des Grafen Orgaz“, wurde 1586 vom Pfarrer von Santo Tomé in Toledo in Auftrag gegeben, um die Wiedergutmachung einer finanziellen Verpflichtung gegenüber der Kirche zu feiern. Es ehrt einen längst verstorbenen Wohltäter, bei dessen Beerdigung die Heiligen Stephanus und Augustinus wie durch ein Wunder erschienen sein sollen, um bei der Bestattung zu helfen. Das Bild stellt dieses Wunder sowie die Aufnahme der Seele des Grafen ins Paradies dar. Wenn das Gemälde in der Kirche betrachtet wird, hat es den fesselnden Charakter einer Vision. El Grecos Sohn Jorge kniet fiktiv am Bildrand, blickt heraus und weist den Betrachter auf das Wunder hin, das El Greco heraufbeschworen hat. Die Figur dient somit als Vermittler zwischen der realen Welt des Betrachters und der fiktiven Welt des Gemäldes, das durch die Aufnahme einer Reihe von Porträts von El Grecos Zeitgenossen zusätzliche Resonanz gewinnt. (El Greco war ein bemerkenswerter Porträtist, der nicht nur die Gesichtszüge eines Sitzenden festhalten, sondern auch dessen Charakter vermitteln konnte.) Über der Beerdigung wird eine himmlische Vision dargestellt, in der eine ganz andere visionäre Erfahrung gezeigt wird: Die Wirklichkeitstreue des irdischen Ereignisses wird zugunsten einer Welt verschiebender Ebenen abgelehnt, die von chimärenartigen Figuren bewohnt wird. „Das Grab des Grafen Orgaz“ ist zentral für unser Verständnis von El Greco, weil es das Ziel seiner Kunst zusammenfasst, nämlich eine Visionäre Erfahrung zu suggerieren – etwas, das keine Erweiterung unserer physischen Welt ist, sondern unserer Vorstellungskraft.
Der einzigartige Stil: Mannerismus und Abkehr vom Naturalismus
Toledo war weit entfernt vom künstlerischen Zentrum Roms, aber es war keine Bastion gegen die Kräfte – sowohl kultureller als auch künstlerischer Natur –, die die Kunst des siebzehnten Jahrhunderts prägen sollten. Es ist allzu leicht, El Grecos Leistung isoliert zu betrachten, als wäre es eine Kunst außerhalb ihrer Zeit – eine Kunst, die darauf wartete, von der modernen Ära entdeckt zu werden. Doch als El Greco 1614 starb, waren Caravaggio und Annibale Carracci – die Schöpfer des neuen Barockstils – bereits seit vier bzw. fünf Jahren begraben. Es genügt, diese Figuren zu erwähnen, um zu erkennen, dass El Grecos Kunst in wichtigen Aspekten der Vergangenheit und nicht der Zukunft angehörte: der Welt des Mannerismus, mit seiner Betonung der Fantasie des Künstlers statt der Reproduktion der Natur.
Francisco Pacheco – Maler, Künstlerbiograf und Lehrer von Velázquez – besuchte El Greco in seinem Atelier in Toledo und berichtete, dass er Gips-, Wachs- und Tonfiguren sah, nach denen dieser arbeitete. Pacheco billigte diese Methode nicht, die El Greco zweifellos von Tintoretto in Venedig gelernt hatte: Eine reale menschliche Figur statt etwas in Ton Modelliertes war das, was Pacheco befürwortete. Aber er konnte El Grecos Platz unter den großen Malern nicht leugnen, „denn wir sehen einige Werke aus seiner Hand, die so plastisch und so lebendig (in seinem charakteristischen Stil) sind, dass sie der Kunst der allerbesten ebenbürtig sind.“ Er mag dabei an El Grecos Porträts gedacht haben, die Velázquez sehr schätzte. Doch es sind die extravagantesten späten Werke des Künstlers, wie „Die Vision des Heiligen Johannes“, in denen die Figuren über die Glaubwürdigkeit hinaus verlängert und ihre Formen durch eine flackernde Pinselführung entmaterialisiert sind, die den modernen Geschmack so stark angesprochen haben.
El Greco lehnte den Naturalismus als Mittel für seine Kunst ab, ebenso wie er die Idee einer für ein breites Publikum leicht zugänglichen Kunst ablehnte. Was er umarmte, war die Welt eines selbstbewussten, gelehrten Stils oder der Maniera. Das Paradoxe ist, dass zu einer Zeit, als die offensichtliche Zurschaustellung von Künstlichkeit, die dem Mannerismus innewohnt, als Verwöhnung kritisiert wurde und Künstler in Rom danach strebten, ihre Gemälde von allem zu befreien, was wie bloße Zurschaustellung wirken könnte, El Greco genau den entgegengesetzten Weg einschlug. Er machte verlängerte, verdrehte Formen, radikale Verkürzungen und unwirkliche Farben zur Grundlage seiner Kunst. Der Unterschied war, dass er diese Effekte zutiefst ausdrucksstark und nicht nur zu Emblemen der Virtuosität machte.
Philosophische Grundlagen: Neoplatonismus und das Spirituelle
Kein anderer großer westlicher Künstler bewegte sich geistig – wie El Greco – von der flachen, symbolischen Welt der byzantinischen Ikonen zur weltoffenen, humanistischen Vision der Renaissance-Malerei und dann weiter zu einer überwiegend konzeptionellen Art von Kunst. Diese Welten hatten eines gemeinsam: einen Respekt vor der Neoplatonismuschen Theorie, dass Kunst eine höhere Sphäre des Geistes verkörpert. El Grecos Modernismus basiert auf seiner Ablehnung der Welt der bloßen Erscheinungen zugunsten der Sphäre des Intellekts und des Geistes.
Häufig gestellte Fragen zu El Greco
Was ist das Besondere an El Greco?
Das Besondere an El Greco liegt in der einzigartigen Verschmelzung verschiedener künstlerischer Traditionen und seiner tiefen Konzentration auf das Spirituelle und Visionäre. Er verband Elemente der byzantinischen Ikonenmalerei, die er in seiner Heimat Kreta erlernte, mit den Techniken der italienischen Renaissance und den expressiven Formen des Mannerismus. Seine Werke zeichnen sich durch verlängerte Figuren, dramatische Licht- und Farbkontraste sowie eine Intensität aus, die über die bloße Darstellung der äußeren Erscheinung hinausgeht. Er wurde zu einem „Maler des Geistes“, der die materielle Welt zugunsten der Darstellung innerer und spiritueller Wahrheiten ablehnte. Seine Wiederentdeckung im 19. Jahrhundert machte ihn zu einer Inspirationsquelle für moderne Künstler, die seine Abkehr vom Naturalismus und seine Betonung des subjektiven Ausdrucks schätzten.
Warum verließ El Greco Griechenland?
El Greco, dessen ursprünglicher Name Domenikos Theotokopoulos war und der in Italien und Spanien den Beinamen „Der Grieche“ erhielt, verließ seine Heimat Kreta im Jahr 1568, um im Westen Kunst zu studieren und sich weiterzuentwickeln. Nach seiner Ausbildung als Ikonenmaler in der östlich-orthodoxen Tradition wollte er die westliche Malerei erlernen. Er reiste nach Venedig, das zu dieser Zeit Kreta kontrollierte, um dort die Prinzipien der Renaissance-Kunst von Meistern wie Tizian und Tintoretto zu studieren und zu meistern. Dieser Schritt war notwendig, um seinen künstlerischen Horizont zu erweitern und die Techniken zu erlernen, die er später in seinem einzigartigen Stil integrierte.
El Grecos Weg von Kreta über Venedig und Rom nach Toledo ist die Geschichte eines Künstlers, der unablässig nach seinem Ausdruck suchte und dabei Brücken zwischen verschiedenen Kulturen und Epochen schlug. Seine einzigartige Vision, die die materielle Welt zugunsten des Spirituellen ablehnte und in expressiven Formen Gestalt annahm, macht ihn zu einer faszinierenden Figur der Kunstgeschichte, deren Werke bis heute tief berühren und zur Reflexion anregen.
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